미술관은 무엇을 연결하는가?
팬데믹 이후, 미술관
What Do Museums Connect?
Museums in a Post-pandemic World
9.14.–9.30.2021

장의 형성, 실천의 방향들
New Dimensions: Directions of Practice

디지털 연대의 새로운 가능성
Playing Together, Staying Together

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2019년은 월드 와이드 웹(World Wide Web)의 30주년을 맞이하여 새로운 미래가 도래할 2020년에 대한 기대감으로 가득 찼었고, 4세대 이동통신 LTE(Long Term Evolution)가 등장한 지 10년 만에 5세대 이동통신의 상용화가 이루어졌으며, 인공지능, 사물 인터넷, 클라우드 컴퓨팅, 빅데이터에 이르기까지 인류의 엄청난 과학기술 발전의 성과를 눈앞에 두고 있는 듯했다. 그뿐만 아니라 2019년은 한국의 세계여행 자유화가 시작된 지 30년이 된 해였다. 민간 우주여행의 가능성을 타진하며 새로운 시대로의 진입을 꿈꿨던 우리는 결국 전염병으로 인해 국경이 봉쇄되고 이동이 제한되면서 원하는 곳에 갈 수 없는 제한적 상황을 처음으로 경험하고 있다. 우리는 이러한 과정을 겪으면서 타인과의 관계, 우리를 둘러싼 환경에 대해 생각해 보게 되었으며, 우리는 서로를 위협 하는 동시에 서로를 보호하는 존재임을 인식하게 되었고, 서로가 안전과 위험을 공유한다는 연결성과 관계의 확장 가능성을 가시적으로 확인하게 되었다. 코로나19 이전까지 온라인 환경은 가상, 대체, 확장, 대안 공간으로 인식되었다. 우리는 전염병의 시대를 경험하며 집과 온라인이라는 대체 불가능한 공간에 대한 인식의 대전환을 맞이하게 되었으며 온라인 공간은 가상공간 혹은 가상 현실 같은 형용 모순의 상태나 무엇의 대안이 아닌 유일한 장소가 되었다. 삶이 핸드폰과 동기화 되어가고, 일상과 SNS의 구분과 시차가 사라짐에 따라 창작활동을 비롯한 모든 문화예술 활동과 향유는 외부 세계와의 소통에 있어 큰 전환점을 맞이했다. 그리고 코로나19를 맞이하게 되면서 우리는 미술관에 가는 것에 대해서도 다시 생각해보게 되었다.

최근에는 메타버스와 NFT까지 스크린 기반의 인식 사고 과정을 통한 사이버 공간에서의 탈신체화가 예술 실천으로 이어지는 흥미롭고 새로운 시도들이 이어지고 있다. 그리고 과연 무엇이 미래에 지속 가능하며, 사회의 신뢰를 기반으로 운영되는 공공기관들이 커뮤니티의 목소리와 입장을 대변해야 하는 시대의 요구와 부름에 어떻게 응답하고 반영해야 하는지 치열하게 고민하고 있다. 예술의 디지털 미래는 기술의 발전에 따른 현실과 구분 지을 수 없는, 현실을 능가한 가상의 재현이나 구현이 아닌, 나의 숨이 타인을 구할 수도 해할 수도 있다는 지극히 현실적인 공동체 감각을 인지하는 것이다. 결국 미술관과 공공기관들이 운영하는 디지털 플랫폼의 핵심 가치 또한 단순히 새로운 플랫폼으로의 이행이나 새로운 형식을 제안하는 것에서 그치는 것이 아닌, 이를 통해 새로운 디지털 연대를 어떻게 구성하고 이러한 가치 판단을 현실에 적용할지 고민하게 하는 지점일 것이다. 미술관은 사람을, 기술을, 관계를 그리고 세대를 연결하는 장소이다. 그렇기 때문에 그 관계를 유지하기 위해 보다 민주적이고 보다 날카롭게 사회문제와 글로벌 이슈에도 민감하게 반응하고 대응해야 하며 공공 미술관의 오너십을 이용자에게 내어줌으로써 사회의 신뢰를 획득할 수 있을 것이다. 결국 미술관은 디지털 트윈으로의 이행을 준비하며 기술적인 부분이나 새로운 콘텐츠를 기획하기에 앞서 내부 인력들 간의 디지털 문해력의 차이를 줄이고 새로운 관계를 구축하기 위한 별도의 노력을 기울여야 할 것이다. 이를 통해 다음 세대와 변화하는 현재의 요구를 수용하며 연결 지점을 만들어 나아감으로써 새로운 미술관의 역할과 책임이 전제된 새롭고 유연한 기관의 정체성을 만들어 나아가야 할 것이다.

The year 2019 was a time when we were all filled with anticipation for the new future arriving in 2020, as we celebrated the 30th anniversary of the World Wide Web. 5G mobile communications had been commercialized just a decade after the emergence of the 4G Long-Term Evolution (LTE) standard, and we stood poised to usher in tremendous human achievements in scientific and technological advancement – from artificial intelligence to the Internet of Things, cloud computing, and big data. For Korea, 2019 was also the 30th anniversary of the liberalization of world travel. From our dreams of a new era as we pondered the possibilities of private space travel, we ended up in a situation where our borders have been closed due to an infectious disease. For the first time, we are experiencing restrictions that hinder us from going where we wish. In this process, we have started to reflect on our relationships with others and the environment that surrounds us. We have become aware that we are both threats and protectors to one another, experiencing visible proof of the connections through which we share both safety and danger, as well as the expansive potential of relationships. Before COVID-19, online environments were seen as places of the virtual, substitution, expansion, or alternatives. The pandemic shifted our perceptions of two unsubstitutable spaces: the home and the online environment. “Online space” is no longer an oxymoron like “virtual space” or “virtual reality”; it is not the alternative to something – it has now become the only space. Our lives are synchronized with our phones; the distinction and the perceptual difference between everyday life and SNS have disappeared, causing a major shift in connection with the outside world for all forms of cultural and artistic activity and enjoyment, including creative efforts. Faced with COVID-19, we have begun reexamining our visits to the museum.

Recently, there have been some fascinating new attempts at an artistic practice based on “disembodiment” within cyberspace, employing screen-based perception and thought processes ranging from the metaverse to NFTs. Serious thought has been given to what sorts of things will be sustainable in the future, and how public institutions rooted in social trust should answer the era’s calls to represent the voices and perspectives of the community. The digital future of art is not something that can be distinguished from the reality that emerges from technological developments, nor is it a representation of the embodiments of a “virtual” that surpasses the “real.” Rather, it is a matter of experiencing the most real form of community perception – where our very breath can save others or cause them harm. Ultimately, it is an occasion not simply for considering the core values of the digital platforms operated by art museums and other public institutions, or for proposing new forms and the shift to new platforms – but for pondering how we can use this approach to achieve a new digital solidarity, applying these value judgments to our reality. Museums connect people, technologies, relationships, and generations. Because of this, they need to react and respond more keenly to social and global issues, more democratically and incisively, in order to sustain those relationships. They can achieve social trust by sharing ownership of public museums with their users. Before devising new content and technological aspects as they prepare to transition toward digital twins, art museums should focus separately on reducing the digital literacy gap among their members and building new relationships. In this way, they should be building new, flexible identities for themselves as institutions, where they are understood to take on new roles and responsibilities as they meet the demands of the next generation and changing present while forging new connections.

홍이지
Hong Leeji

국립현대미술관 학예연구사

홍이지는 서울을 기반으로 활동하는 전시 기획자이다. 《리버풀 비엔날레 도시관: 테라 갤럭시아(Liverpool Biennial City States: Terra Galaxia)》(2012) 전시 어시스턴트, 제 4회 광주 비엔날레 큐레이터 코스(Gwangju Biennale International Curator Course)에 참여하였으며, 《제1회 아시아 비엔날레: ASIA TIME》(2015)에서 리서치 큐레이터로 활동하였다. 런던 스타포드 테라스에서 《16Stafford Terrace》(2012)와 런던 한미갤러리에서 《To Remain》(2012)을 기획하였으며, 서울 두산갤러리 《본업: 생활하는 예술가》 (공동기획, 2014)와 두산갤러리 뉴욕의 《쉐임온유》(2017)를 기획하였다. 서울시립미술관에서 재직하면서 《미묘한 삼각관계》 (2015), 《동아시아페미니즘: 판타시아》(2015),《백남준∞플럭서스》(2016), 《하이라이트: 까르띠에 현대미술재단 소장품 기획전》(2017), 《유령팔》(2018)을 기획하였다. 2016년부터 2017년까지 네이버 문화재단의 ‘헬로! 아티스트’ 작가 선정위원이었으며, 2018년 광주 비엔날레 특별전 《가공할 헛소리》전시 기획을 담당하였다. 현재 국립현대미술관 학예연구사로 재직 중이다. 공동 저서로 셰어 미: 공유하는 미술, 반응하는 플랫폼(스위밍꿀, 2019)이 있으며 디지털 매체와 창작 환경의 변화에 따른 인지 조건과 문화 현상을 연구하고 있다.

Curator at National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea

Hong Leeji is a curator based in Seoul. She worked as an exhibition assistant for Liverpool Biennial City States: Terra Galaxia (2012), took part in the 4th Gwangju Biennale’s International Curator Course, and was a research curator for the 1st Asia Biennale (Asia Time, 2015). She curated 16 Stafford Terrace (2012) for 16 Stafford Terrace and To Remain (2012) for Hanmi Gallery London, as well as BONUP: Art as Livelihood (2014, co-curated) at Doosan Gallery Seoul and Shame on You (2017) at Doosan Gallery New York. While working at the Seoul Museum of Art, she curated The Subtle Triangle (2015), East Asian Feminism: FANTasia (2015), Nam June Paik ∞ Fluxus (2016), Highlights: The Collection of the Fondation Cartier pour l’Art Contemporain (2017), and Phantom Arm (2018). She served on the artist selection committee for the Naver Cultural Foundation’s “Hello! Artist” project from 2016 to 2017 and planned the 2018 Gwangju Biennale special exhibition Monstrous Moonshine. Hong is currently a curator at the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea. She researches cultural phenomena and the cognition conditions that result from digital media and changing creative environments and co-wrote the book Share Me: Shared Art and Responding Platforms (Seoul: Swimming Kul, 2019).